Joy Moore è una pittrice inglese, trasferitasi nel nord Italia nel 2006.
Ha studiato belle arti a Bristol e Birmingham Art Colleges, laureandosi nel 1978. Ha poi proseguito con una doppia carriera a Londra per 25 anni come pittrice praticante e manager di progetti ambientali al Comune di Westminster.
Mentre viveva in Inghilterra, esponeva in gallerie a Londra e nel nord dell’Inghilterra e partecipavo a numerose fiere d’arte, incluse le prime fiere Freize e Affordable Art e come artista ospite alla Rotterdam Art Fair.
Dopo il trasferimento in Italia, ha iniziato a dipingere a tempo pieno.

Artàporter ha voluto conoscere meglio l’artista ponendole alcune domande.

Cosa significa arte per te?

L’arte è una forma di espressione di sé e può assumere molte forme: pittura, scultura, musica, teatro, letteratura, ecc. Riguarda cosa e come una persona risponde nella vita esterna o interna a se stessa. È importante che l’artista abbia qualcosa da dire. Le competenze tecniche aiutano l’artista a dirlo meglio, ma per me non è arte a meno che l’immagine, la scrittura, la performance ecc. non riguardino una risposta sensoriale a qualcosa.

Come e quando ti sei avvicinata all’arte? 

Sono stata attratta dalle immagini da quando ho memoria. Quando avevo circa otto o nove anni disegnavo copie dei fiori stampati sulle stoviglie di mia madre. Più tardi ho iniziato a realizzare illustrazioni di mostre nel mio museo locale. Sono diventato fan di Picasso da adolescente e ho letto libri sull’arte. Mentre ero a scuola realizzavo dipinti e disegni nel tempo libero. I miei genitori mi comprarono un set di colori ad olio quando avevo 13/14 anni e mi innamorai dei colori e della ricchezza dei colori. Decisi presto che volevo andare alla scuola d’arte e studiare pittura, cosa che feci dal 1974/78.
Alla scuola d’arte ho scoperto gli espressionisti astratti americani e sono stato attratto dall’idea di usare la pittura (e altri materiali) per esprimere i miei sentimenti piuttosto che limitarmi a copiare figurativamente un soggetto.

Qual è la tua maggiore fonte di ispirazione?

L’ispirazione fondamentali della mia arte derivano dalla mia risposta emotiva al mondo naturale. Mi sento completamente ad uno quando sono immersa nella natura. Posso essere ispirato dal più piccolo dettaglio della natura e dalla grandezza di una catena montuosa, il potere del mare o il verde, il blu e il giallo di un paesaggio agricolo. È sia il reale aspetto fisico del paesaggio che la luce che cade su di esso e cambia la sua forma apparente e il colore che mi eccita. Elaboro tutto questo con l’obiettivo di produrre qualcosa che dica allo spettatore l’essenza del paesaggio, non la sua visione. Alcune opere sembrano completamente astratte, ma provengono sempre da qualcosa di tangibile. Questi includono i miei dipinti floreali che chiamo “paesaggi di fiori” in quanto rappresentano il concetto e il fascino estetico dei fiori nello stesso modo in cui immaginiamo che un paesaggio racchiuda l’intero aspetto dei suoi singoli componenti.

I riferimenti artistici e culturali che ti hanno maggiormente influenzato nel corso del tempo?

Picasso è stato il primo artista di cui sono venuta veramente a conoscenza. Ero attratta dalla sua rappresentazione astratta/esagerata delle forme, dall’emozione che esprimono. Mi sono interessata alla scuola di pittura paesaggistica inglese quando ho realizzato la mia attrazione per il paesaggio. Artisti come Turner, Constable e Cotman, e in seguito vennero a conoscenza di pittori paesaggisti astratti britannici più contemporanei mentre studiavo alla scuola d’arte, come Peter Lanyon. Ho conosciuto anche gli espressionisti astratti americani: sono stato influenzato dai
paesaggi di De Kooning soprattutto quando li ho visti in una grande mostra a Londra. Molto più tardi ho scoperto Joan Mitchell e le sue opere ispirate ai fiori, anche se a questo punto stavo realizzando le mie opere floreali astratte. Mi ispiro anche agli ultimi lavori di Monet e sono felice di scoprire che il mio lavoro rientra nell’ambito delle opere di questi artisti – non consciamente ma probabilmente in modo subliminale. L’influenza costante è stata rappresentata dagli ultimi lavori di Turner e dai suoi schizzi di montagne, poiché sono stata attratto dalle Alpi italiane dopo essermi trasferito in Italia e sono entusiasta di seguire letteralmente le sue orme, osservando e dipingendo le stesse montagne.

Chi decide oggi che cos’è arte? C’è una differenza rispetto al passato?

Penso che nella fascia più alta del mercato dell’arte, l’arte sia vista come un investimento finanziario e non come un amore per l’arte.
Questo vale per gli artisti già affermati. Essendo un artista emergente inglese, trovo che il sistema di esporre gli artisti in Italia sia molto diverso da quello inglese. Ci sono molte organizzazioni che invitano gli artisti ad esporre pagando ingenti somme di denaro e non credo che queste persone siano realmente interessate a trovare e promuovere artisti. Penso che le gallerie che espongono un artista senza chiedere molti soldi in anticipo (cioè molto più dei costi amministrativi o di noleggio) hanno maggiori probabilità di essere interessate al singolo artista, decidendo così cos’è arte.
Questo è il modo principale di lavorare in Inghilterra. Tuttavia non penso necessariamente che le gallerie abbiano ragione e ovviamente selezionano i lavori che sono sicuri di poter vendere – quindi alla fine è il pubblico a decidere cosa gli piace – ma questa non è necessariamente arte. Il critico d’arte EH Gombrich ha scritto “Non esiste l’arte, esistono solo gli artisti”. Se davvero è il pubblico a decidere allora penso che ci sia una differenza rispetto ad un passato più lontano, quando gran parte dell’arte veniva commissionata dalla chiesa e dall’aristocrazia – ed era sempre figurativa – quindi molto dipendeva dalla produzione di una “bella somiglianza” Mentre nell’era dell’arte moderna molte gallerie investivano in un artista promuovendo il proprio lavoro per un lungo periodo, senza aspettarsi vendite immediate.

Il tuo rapporto con i colori? E col bianco e nero?

Amo il colore e ho scoperto che molte persone che apprezzano la mia arte individuano nel colore la principale attrazione. Di solito esagero il colore del mio soggetto – perché se è questo che mi attrae, voglio che il dipinto contenga il colore più di ogni altra cosa – questo è particolarmente vero per i miei lavori floreali, ma anche per i miei paesaggi. Quando sono arrivato in Italia per la prima volta i critici d’arte hanno detto che avevo portato con me i colori del nord Europa, ma in realtà è più probabile che io stia esagerando con i colori reali che vedo. La luce in Italia è diversa da quella del nord Europa e tende ad ammorbidire i colori ma io la cerco e ci gioco. Mi piace usare colori complementari per far risaltare i singoli colori e la maggior parte delle volte mescolo i miei colori.
Tuttavia penso anche che la combinazione di bianco e nero sia molto potente: adoro i dipinti dell’espressionista astratto americano Franz Klein. Trovo che funzioni bene con i miei dipinti di montagna, tuttavia di solito cerco un po’ di colore nella parete rocciosa o nel cielo per aggiungere un po’ di ricchezza. Mi piace particolarmente la combinazione di nero e bianco nei disegni: può renderli molto potenti.

Grazie ad Artàporter, Joy Moore ha tenuto la sua mostra personale dal titolo “Più o meno Turner – Dove i ghiacciai si muovono sempre sul Monte Bianco“, a cura di Carmen Russo.

Le opere dell’artista sono acquistabili online sul sito di Artàporter: scoprile tutte qui!